Author:  oiche | Date:  May 24, 2009 | Time:  2:13 am | Who the crap writes these reviews? Arsebound, faux poetry that tells you nothing of the music. Ah well, shall just have to download it! Thanks bolachisgratis. (veja aqui e, depois, vê se dá uma passadinha no Bolachas Grátis)

A balança do libriano sempre pende para um dos lados conforme os pesos que você deposita. Isso talvez explique o fato da câmera de John Patrick Shanley por vezes pender e se fixar ora para um lado, ora para outro, durante algumas cenas de seu Dúvida. O filme, indicado à categoria de melhor filme no Oscar, foi baseado na peça de teatro homônima ganhadora do Pulitzer (e a peça realmente rendeu um filme terrivelmente bem construído).

Fazendo jus ao título, Dúvida é um embate entre o padre Flynn e a freira Beauvier (esplendidamente assumidos por Philip Seymour Hoffman e Meryl Streep), partindo da dúvida de Beauvier quando a freira James (interpretada por uma corretíssima Amy Adams) diz desconfiar que o padre esteja abusando de uma criança da igreja – pra piorar único aluno negro do local (e este fato é aqui ressaltado pois o filme se passa no Bronx de 1964, e todos sabemos que a luta contra o racismo é parte vital da história dos EUA, sobretudo nessa época). O roteiro de Dúvida joga o espectador daqui para lá, fazendo com que constantemente mudemos de opinião, que se anseie, cedo ou tarde, por uma acusação simples.

Dúvida tem como pano de fundo o machismo na instituição católica (não à toa, a freira Beauvier insiste em lembrar que, por ser freira, está sempre em desvantagem dentro da igreja, pois sempre precisa se reportar a um bispo – um homem), seja mostrando o contraste das refeições dos padres com a das freiras, seja no tom de liderança assumido do padre Flynn quando está na sala da freira Beauvier, sua subordinada (e é simplesmente de tirar o fôlego a cara que Streep faz quando o personagem do padre se senta na cadeira dela; a expressão da atriz diz muito mais que qualquer palavra do roteiro). O título do filme está aí: é sempre dúbio, uma faca de dois gumes; a certeza da freira Beauvier, a simpatia do padre Flynn, a alternância de ideias da freira James e até mesmo o comportamento do menino corroboram para instaurar a incerteza do que realmente está acontecendo.

Com uma direção de arte bem produzida (perceba o vitral da igreja que retrata um olho a fitar o padre Flynn) e um figurino simples (que provavelmente não foi indicado a Oscar pois os outros filmes chamam bem mais a atenção – como o já imaculado Benjamin Button ou os ofuscantes The Duchess ou Australia), Dúvida ainda é excelente em criar suspense em seus pequenos (porém geniais) toques. Acredite: o soar de um telefone, o barulho de trovoadas ou uma lâmpada quebrando são muito mais eficientes que qualquer trilha sonora incidental – além de soarem pertinentes e complementarem a discussão proposta.

Mas a beleza de Dúvida está mesmo nas atuações (não obstante, todos os atores principais do filme foram indicados ao Oscar). Philip Seymour Hoffman dispensa elogios, já que é um ator tão bom que está no limite do insuportável; do tipo que será constantemente indicado e nem sempre irá ganhar (talvez justa ou injustamente, mas o prêmio “hors concours” para Hoffman é papo para outro texto). Meryl Streep está intensamente apaixonada por seu papel e é de se esperar que as melhores cenas do filme são quando ela se encontra com o personagem de Hoffman. E Amy Adams – uma graça – é o braço necessário, tanto para o roteiro quanto para os outros atores, visto que ela é a personagem que assiste aos fatos e se vê momentaneamente dentro deles, tal como quem está assistindo.

O destaque final – e que também promove a discussão mais calorosa de todo o filme – está na atuação de Viola Davis como a senhora Miller, mãe do garoto que está sob a suspeita de abuso. Em apenas alguns minutos, esta cena demonstra a potência da história, e a personagem mostra uma grande complexidade, que se desdobra perante as lágrimas e o olhar de raiva da atriz. A cena em que ela é confrontada pela personagem de Streep é assustadoramente desconfortante, realmente fazendo pensar que desagradáveis conclusões alguém pode tirar quando o amor de uma mãe é destruído pelo preconceito – e pela dúvida.

Movido por suas discussões polêmicas, soberbo em instaurar a sombra da incerteza sobre qualquer coração, Dúvida segue para um desfecho que consolida toda a coerência com que a película foi conduzida: se a princípio nós colocávamos os pesos dos argumentos para equilibrar a balança da dúvida, no fim das contas descobrimos que mais vale jogar a balança fora.

Os dois lados da balança possuem diversas conjecturas de peso igual, mas não adianta tentar igualá-las. Afinal de contas… São apenas conjecturas. Felizmente, Dúvida reconhece o fato e torna-se, por concepção, um dos filmes mais inteligentes do ano.

Clique aqui e assista no YouTube o trailer de Dúvida.

A diferença entre os dois filmes está em fazer ficção em cima de uma história real. Pouca ficção, digamos. Barreto coloca a realidade lá, desde o massacre da Candelária (que Sandro testemunhou), até detalhes do seqüesto como a morte forjada de uma das reféns. O roteirista Bráulio Mantovani (de Cidade de Deus) opta por introduzir um xará para Sandro na história e, utilizando-se de obras excessivas do acaso, desenrola sua história (ilustrando, com pequena alteração, uma frase de Padilha: “quatro milhões de brasileiros acompanharam a trajetória de Sandro pela TV, mas apenas uma – sua mãe adotiva – compareceu ao seu enterro”). 

Barreto, diretor do razoável “O Que É Isso Companheiro?”, faz, como Padilha, a denúncia ao sistema de exclusão brasileiro, que faz dos pobres criminosos, defendendo Sandro a todo momento (“Sabe qual é a maior vítima de todas?”, diz uma das personagens em dado momento, “Você”): retrata, com propriedade, a criação de criminosos por uma realidade que tem apenas o auxílio do altruísmo como alternativa (a participação da líder de uma ONG, interpretada por Anna Cotrim,  é vital para o desenrolar da trama). 

E é aqui que chegamos num dos problemas de Última Parada: 174. O que deveria ser o retrato de uma sociedade injusta acaba sendo um grande estereótipo. Seus personagens são totalmente unidimensionais. E então, quando tenta trazer complexidade para as atitudes de Sandro e sua loucura pós-traumática, o filme acaba soando confuso e sem sentido (“Se o copo quebrasse, a senhora ia morrer e eu ia ficar sozinho”, ok). Ora vítima, ora culpado, a alternância da personalidade de Sandro é mais esquizofrênica do que bem construída.

Por sorte, esses deslizes são opostos pelas atuações. Apesar das permissões excessivas de Barreto para gírias e palavrões, os atores – todos pouco conhecidos, com exceção de Douglas Silva, em rápida aparição – estão, em sua maioria, inspirados; vide Michel Gomes interpretando o protagonista. Visivelmente (e talvez demasiadamente) ensaiado, o rapaz é uma promessa e tanto. Alê Monstro, interpretado por Marcello Melo Jr., também tem ótima participação. Infelizmente, a intérprete de Marisa, mãe verdadeira de Alê e mãe adotiva de Sandro, é privilegiadaa pela maquiagem e pelo figurino, visto que sua expressão é sempre a mesma.

E já que estamos no assunto, a direção de arte do filme é cuidadosa (é engraçado perceber que a pouco mais de dez anos, as mulheres usavam peças ainda mais curtas – assim como os homens e seus shortinhos) e a fotografia opta por ser simples e funcional.

Infelizmente, há o problema na direção. Barreto apela para takes desnecessários e lances humorísticos desapropriados. Além de caracterizar seus personagens com particularidades únicas (todos são estereótipos caricatos de uma realidade já conhecida; como o pastor nordestino), Barreto tem um pequeno problema em criar relação entre suas cenas: vide as indevidas piadinhas colocadas na cena mais dramática do longa, a tomada do ônibus.

Última Parada 174 foi escolhido como o filme brasileiro a concorrer uma vaga ao Oscar, mas terá sorte se chegar lá. E é triste saber que um filme tão denso como Linha de Passe, de Walter Salles e Daniela Thomas, não tenha sido inscrito à vaga (por opções dos diretores). Pessoalmente, eu votaria em Ainda Orangotangos, de Gustavo Spolidoro, que é simplesmente excelente em sua montagem. Enfim.

A verdade é que o longa de Bruno Barreto se encaixa na leva de filmes brasileiros que todos esperam e querem ver. E essa visão do cinema tupiniquim é tão estereotipada quanto os personagens deste Última Parada 174.

- Quarta-feira, Harry Potter e a Ordem da Fênix;

- Sábado, Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado.

Acontece que por pura preguiça inércia da minha parte, não consegui comprar o ingresso pro Harry Potter, causando assim uma inversão de papéis.

Portanto, acabei de chegar da sessão que exibiu Quarteto Fantástico. E a verdade é que foram as duas horas mais mal gastas que já passei em cinema.

Veja bem, o Quarteto Fantástico sempre foi o meu time de heróis preferidos; eu até tenho um game de Playstation 1 divertídissimo (sempre escolhia o Senhor Fantástico). Agora, se Tim Story (o diretor) conseguiu alguma coisa com esse segundo filme, foi banalizar os pobres heróis. Aliás, Tim Story entrou pra listinhas de diretores odiados por mim, correndo lado-a-lado com Uwe Ball.

Vamos lá: filmes com trama desse tipo – quatro seres humanos com poderes fantásticos e um homem espacial montado numa prancha – já são difíceis de se trabalhar; exigindo um enorme tato do diretor. Acontece que o que mais se vê faltando em Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado, é justamente isso; tato.

Quer dizer, o filme jamais se leva à sério. Enquanto os personagens e seus super-poderes são usados pura e basicamente como alívios cômicos, o roteiro nos traz um porção de falhas (parei de contar quantas eram no meio do filme), e pérolas dignas da novela das sete.

Para citar um exemplo, há uma cena em que Reed (o Sr. Fantástico) dança colado com algumas mocinhas em sua despedida de solteiro e a Susan (a Mulher Invisível, sua esposa) o pega no flagra. Logo em seguida, ela diz que “tudo bem, meu amor, eu sei que você só estava se divertindo”.

É ainda melhor quando Reed faz um discurso na frente de um exército, dizendo que está “noivo da mulher mais gostosa do mundo” e a Susan rebate com um “uau, isso me deixa excitada”. Sem constrangimentos. Pouco machismo é bobagem.

Isso para não falar da grande – e surpreendente – mensagem do filme: Sempre há uma escolha. Uaaau. Brilhante. Minha prima de seis anos não teria inventado algo melhor.

As grandes cenas nem se passam nos Estados Unidos, mas isso não significa que o filme seja, assim, globalizado. O exército americano pousa com naturalidade e fluidez em Londres, e depois numa floresta na Alemanha. Muito simples, nada burocrático. Pra não falar no general-chefe, estereótipo pateticamente típico.

Outra coisa absolutamente irritante que merece ser citada, é aquela peruca que colocaram na Jessica Alba para ela parecer loira, e as lentes de contato azuis. Eu não sei quem é responsável por isso, mas não, não convence mesmo. Deviam trocar de atriz, principalmente levanto em conta que, definitivamente, Jessica Alba até pode ser bonita, mas é tão expressiva e boa atriz quanto o meu tapete – e olha que estou sendo generoso.

Julian McMahon deve ter recebido um cachê baixinho. Se ele trouxesse pelo menos um pouco da sua canalhice (tão bem usada em Nip/Tuck) para o Doutor Destino, eu até teria alguma coisa boa pra dizer desse filme.

Por último, volto à máxima de que Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado peca por não se levar à sério. Se os próprios heróis têm tempos pra brincadeirinhas com troca de poderes, ou se têm tempo para conversas banais sobre o canal E!, ou se perdem tempo conversando sobre como o Coisa esmagou o Senhor Fantástico na parede; bem, se eles não levam a sério o iminente fim do mundo(?), como eu vou levar?

Quer saber? Espere o filme chegar na locadora, depois espere sair da prateleira dos lançamentos, depois espere aquelas promoções de ‘metade do preço’, tome algum Prozac e assista. Quem sabe assim você pode gostar.

E olha que ainda sou fã do Quarteto Fantástico.

(lembrei de algo a dizer de bom sobre o filme: a participação do Stan Lee, criador do Quarteto, é engraçadíssima, e até vale a pena conferir. E, pra quem gosta de efeitos especiais, o Surfista Prateado tá muito bem elaborado. Mas se você vai a um cinema só pra ver efeitos em CGI, deve rever seus conceitos sobre o que é um bom filme)

Quem conhece um pouco da história da Torre de Babel vai entender imediatamente o porquê do título: a falta de comunicação, as diferenças entre povos, e línguas. Mas, acima disso, Babel fala de escolhas.

Dois garotos marroquinos ganham do pai um rifle para matar chacais e proteger as ovelhas da família. Uma brincadeira de com a arma os fazem atingir um ônibus de turismo, onde um casal de norte-americanos viajar, ferindo a mulher, Susan, no ombro. É aí que a história começa: este tiro vai afetar a vida de várias pessoas:

- dos filhos do casal Richard e Susan, nos Estados Unidos;
- de um homem e sua filha surda, no Japão;
- da babá dos filhos de Susan, no México;
- e da família dos garotos marroquinos, no Marrocos.

A princípio até parece loucura. Mas, nesse nosso mundo, onde as maiores insanidades são possíveis – e se você considerar que é só um filme – tudo acaba se tornando aceitável.

Contando as histórias em pequenas doses, Iñárritu (ô nome difícil) consegue causar angústia em qualquer espectador. Você pode juntar a isso uma trilha sonora simplória, mas fantástica (vencedora de Oscar) baseada em solinhos depressivos de violão. E Babel é favorecido pela edição eficaz: por contar histórias tão diferentes, eu esperava que o roteiro se perdesse em si mesmo – e isso jamais acontece.

Contando com um elenco magnifíco, que inclui os meus favoritos Cate Blanchett e Gael García Bernal, Babel tem os atores certos para os momentos certos: se você pegar a mesma raiva que eu pela japonesa surda, Chieko, verá que tenho razão. O diretor abusa um pouco da nudez da atriz Rinko Kikuchi, mas a história da adolescente parece estar um pouco avulsa de toda a trama. Ao passo de que a adição de Chieko é uma das coisas mais legais do filme, também é um dos maiores erros do roteiro – e adicione aí um bilhete misterioso cuja mensagem jamais saberemos.

Babel é aquele filme que se assiste e, ao passar dos minutos, você vai se sentido desmembrado, desmontado. Você passa a perceber que os seres humanos são separados por leis, por religiões, por raças, por uma porção de regras e conceitos abstratos – e este isolamento é tão tristemente palpável que chega a chocar.

No entanto, Iñárritu (ô nome difícil) não hesita em demonstrar opiniões-clichê-lugar-comum. Enquanto Susan sofre com ferimento da bala, nenhum dos turistas parece se compadecer com a situação – só o marroquino bonzinho. Isso sem contar na campanha de desarmamento digna da Veja e no dramalhão à la América de Glória Perez.

Babel peca sim por exagerar um pouco na ligação entre histórias tão extremas e tão diferentes. Ainda assim, a reflexão que ele pode trazer, junto à dose de emoção e angústia que pode causar em você, o faz filme digno da indicação que recebeu por melhor filme, no Oscar.

Bom, apesar de não superar Pequena Miss Sunshine, deixa Os Infiltrados no chão.

Guillemots!

Through The Window Pane, o primeiro cd deles, será lançado dia 11/04 do Brasil, algum tempo depois de fazer algum barulho no exterior. Não é para menos, no entanto. Os Guillemots vão contra os rockzinhos atuais e batidos, trazendo um som autêntico e diferente.

Disco difícil de classificar, mas de se ouvir com sorriso no rosto e alma lavada até o fim. Há uma continuidade e uma repetição de sons que torna tudo deliciosamente familiar. Fyfe Dangerfield lidera a banda com um vocal cheio de sentimento e simplicidade. O rapaz arrasa, com um timing perfeito, às vezes mais falando do que cantando (o exemplo é claro em Little Bear e em Blue Would Still Be Blue, capaz de deprimir qualquer coração sentimental).

O principal ponto alto vem com Made Up Love Song #43, música encantandora que, de acordo com Dangerfield, é de número 43 porque as quarenta e duas compostas anteriormente não valeram à pena (piadista, o rapaz). Se for verdade, os fins justificam os meios, já que Made up… é belíssima.

Annie, Let’s Not Wait, décima faixa do disco, impressiona pela mistura inteligente de ritmos. Acredite em mim – e ouça, se puder – há um cavaquinho tocando na segunda parte da música, e o resultado é esplêndido. No fim das músicas, Annie parece mais um show de rock feito na quadra de uma escola de samba. Parece estranho, mas é cool pra caramba.

Contudo, foi com Trains to Brazil que a banda encontrou seu primeiro sucesso, visto que a música foi lançada simultaneamente à morte do brasileiro Jean Charles de Menezes, confundido com terrorista na capital britânica. A música, considerada uma dedicatória ao acontecimento, aumentou a exposição da banda. Trains to Brazil é cheia de saxofones e confetes.

A última faixa, São Paulo, tem quase doze minutos: começa simplória, sem prever o final apoteótico e orquestral da coisa. É esse justamente o trunfo e o diferencial dos Guillemots: a ousadia, a imprevisibilidade.

É ouvir pra crer.

A banda está aí para provar que se pode, sim, juntar os estilos mais diferentes do globo e conseguir boa música. Eu disse boa? Desculpe, quis dizer ótima. Ou qualquer sinônimo que você queira usar como adjetivo.

* * *

*Ah sim, a última surpresa: o Guillemots também é diferente por ter uma mulher tocando na banda. Diferencial ou não?

*Você pode puxar o cd dos Guillemots através desse link, pego na comunidade Discografias do Orkut.